Precisamente, él es uno de los protagonistas especiales de la XII edición del Festival Iberoamericano de Teatro, que se realizará del 19 de marzo al 4 de abril del 2010, ya que Cataluña y las Islas Baleares son los invitados de honor al encuentro teatral.

Gracias a su gestión, se presentarán, entre otras, 'Molts records per a Ivanov', una relectura contemporánea del dramaturgo Antón Chéjov, escrita por Albert Tolá y Pep Tosar, y dirigida por el propio Tosar; 'La casa de Bernarda Alba', de Federico García Lorca, dirigida por Lluís Pascual, y 'Pantera imperial', del músico y compositor Carles Santos.

Así mismo, se harán lecturas de textos de dramaturgos como Josep Pere Peyró, Josep M. Benet i Jornet y Jordi Casanovas, a cargo de actores colombianos junto a una gala de poesía en la cual se recitarán los versos de poetas como Josep Carner, Salvador Espriu y Blai Bonet.

Otro de los invitados de lujo de esa delegación será el actor Sergi López, famoso por su carrera en el cine en Francia y España, en cintas como 'El laberinto del fauno' y 'Harry, un amigo que te quiere'.

"Este es un verdadero honor y un reto, y un paso importantísimo en este trabajo constante de situar nuestra creación contemporánea en la agenda cultural internacional más significativa", comenta Bargalló Valls, quien habló con EL TIEMPO de este aterrizaje cultural en Colombia.

¿Qué ganan Cataluña y las Islas Baleares al ser invitados especiales al Iberoamericano?

Este es uno de los grandes festivales de teatro, y goza de un buen prestigio en Europa. Por este motivo, no es tan sólo una muy buena oportunidad para reforzar la presencia de las artes escénicas y la música catalana en Colombia y en toda la zona, sino también un lazo de unión, un puente de conocimiento mutuo.

¿Qué comparten culturalmente con Colombia y cómo se refleja en las propuestas que traen?

De entrada, puede parecer que las diferencias son notables, y realmente hay muchas. Pero, también es cierto que en la construcción nacional, económica, social y cultural americana, especialmente a partir del siglo XIX, hay mucha huella catalana -como en la construcción de la Cataluña actual hay mucha presencia colombiana.

Además, hay aspectos diversos que podemos poner encima de una mesa de trabajo, como las múltiples lenguas y, muy especialmente, la apuesta por una creación cultural y artística de excelencia contemporánea, que busca acercarse, a la vez, al gran público.

¿Cómo se puede definir esa cultura catalana?

Es una cultura milenaria, con una gran tradición medieval, que se sostiene en una lengua hablada en territorios como España (Cataluña, Baleares y Valencia -este último donde el catalán comparte oficialidad con el español), Andorra, donde es la única lengua oficial; en los Pirineos Orientales, en Francia, y en el Alguer, en la isla de Cerdeña (Italia). Pero también ofrece una explosión creativa contemporánea, especialmente en Barcelona, con artistas como Salvador Dalí, Joan Miró; arquitectos como Gaudí, músicos como Pau Casals, José Carreras o Serrat y actores como Sergi López o Núria Espert. Todos hacen parte de esa cultura que nosotros definimos como singular y con una vocación internacional indiscutible.

¿Cómo ha evolucionado esa vocación?

En los últimos años hemos sido los protagonistas de grandes eventos. Los invitados de honor de las ferias del libro de Guadalajara (2004) -en México- y Fráncfort (2007) -en Alemania- y del Festival Internacional Cervantino de Guanajuato (2008) -México-. También estuvimos en el primer pabellón de la Bienal de Venecia este año y en el 2010, además del Iberomericano, somos los invitados de la Feria de Lengua Expolangues y en el Marché de la Poésie, ambos en París. Esto demuestra un trabajo constante y casi infinito.

¿Hay una intención de generar un intercambio con artistas colombianos durante el Iberoamericano?

Siempre entendimos la invitación como un lazo de unión; un puente entre dos culturas, dos pueblos. Y los puentes son de ida y vuelta, tienen recorrido en ambos sentidos, y por eso los gobiernos catalán y balear ya han establecido contactos con el gobierno de Colombia y la Alcaldía de Bogotá.

¿Cómo define el grupo de propuestas que vendrán el próximo año?

Es una buena representación de lo que actualmente se puede ver en los escenarios catalanes, tanto en música como teatro, con alguna propuesta especialmente vanguardista -como el espectáculo multidisciplinar del músico Carles Santos- y la oportunidad de poder ver a un actor como Sergi López, junto a uno de los teatros de más prestigios de Barcelona, el Lliure, o la voz popular de la mallorquina Concha Buika, entre otros. Esperemos que todo lo que traemos tenga el interés que el público colombiano se merece.

A Jorge Franco la idea de llevar su más reciente obra literaria 'Melodrama' al teatro lo tomó por sorpresa. Él, acostumbrado a que su prosa se adapte al cine -como pasó con Rosario tijeras y Paraíso Travel- le pareció insólito que el productor Joaquín  Valencia (el mismo de Cabaret y El principito) le planteara la idea de llevar a las tablas la pieza literaria.

"Casi me voy de espaldas, pues todo me imaginé menos que se pudiera pensar para el escenario. La verdad, Melodrama es la obra más literaria que he escrito, en el sentido en que me planteé que no fuera tan fácil de llevar al cine", comenta Franco desde  Medellín.

Según dice, lo que sí tenía claro era que no iba a caer en ningún tipo de encasillamiento o esquema de escritor de séptimo arte. "Melodrama cuenta la historia de una familia atípica colombiana, mejor dicho una familia disfuncional en la que se reflejan  situaciones muy fuertes relacionadas con el maltrato, el conflicto de intereses, el incesto y hasta esos pequeños infiernos que se gestan porque sus miembros no pueden vivir juntos, pero tampoco pueden separarse", asegura el autor, que al final accedió  a que se trabajara en el montaje teatral, que se estrenará a principios del 2010.

El autor adelanta que la pieza ofrecerá una mirada centrada en algunas situaciones puntuales de la familia y trabajará los diálogos y las acciones con una buena dosis de tecnología. "No podía estar limitada a las leyes del teatro tradicional, en ese aspecto tengo claro que buscará otros lenguajes para contar la historia y tendrá personajes virtuales que interactuarán con los que estén en escena", dice.

Franco comenta que Melodrama está influenciada de alguna manera por las tramas que se manejan en la telenovela; según dice, por esa cercanía y cotidianidad que él mismo experimentó con ese género televisivo en su adolescencia (ahora tiene 47).

"Las relaciones familiares tienen ese elemento dramático y un tanto exagerado que se planteaba en televisión, pero también ofrece detalles más sórdidos. Algo que se nota en las páginas es que todos los acontecimientos parecen estar marcados por un  destino o consecuencia del que es difícil escapar", agrega.

El escritor también asegura que esta adaptación le dio la oportunidad de reencontrarse con las artes escénicas, más allá del papel de simple espectador. "Siempre me ha gustado el teatro. No pierdo la oportunidad de ver algunas de las obras que se  programan y cuando vivía en Medellín, era de los que armaba viaje a los festivales nacionales como el Iberoamericano", cuenta. 

En este momento, Franco asesora al director de la puesta en escena, Miguel Urrutia, mientras trabaja en un nuevo proyecto literario.

"Con esta experiencia, siento que el lenguaje teatral está más cercano a la literatura que al cine. Los diálogos y situaciones que se plantean en las páginas de Melodrama se han ido ajustando muy bien al esquema teatral, yo me acuerdo que en Paraíso  travel tuvimos que hacer muchos cambios, es que el cine es más de la calle", finaliza.

Cada dos años, paralelamente al Festival Iberoamericano de Teatro, se realiza en Bogotá un certamen que reúne a grupos internacionales y de diferentes regiones del país y presenta funciones gratuitas en sectores populares: el Festival Alternativo de Teatro.

Patricia Ariza, directora de la Corporación Colombiana de Teatro y organizadora del festival, dice que todavía no es segura su realización el próximo año. Todo se debe a un posible recorte del presupuesto por parte de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá (SCRD), que con la Orquesta Filarmónica de Bogotá le dio al evento 150 millones de pesos en la pasada versión.

"Este festival lo hacemos con unos recursos irrisorios, ya hacerlo con esa cantidad es un acto heroico. Si hay un recorte, sencillamente tendríamos que cancelar", dijo Ariza.

Los rumores de una posible disminución de los recursos para el festival, que llegaría a su octava edición, surgen de un recorte de presupuesto que sufrió la SCRD, que pasa de manejar 227 mil millones de pesos a 183 mil millones, el año entrante.

Sin embargo, Margarita Rosa Gallardo, subdirectora de Prácticas artísticas y culturales de la SCRD, afirmó que "todas las entidades adscritas al Distrito están haciendo esfuerzos para reunir el presupuesto necesario para este evento", agregó. De hecho, Gallardo confirmó que la Orquesta Filarmónica aportará 70 millones de pesos, 10 más de los que le entrega al certamen habitualmente. Ariza espera que no solamente no les rebajen el presupuesto, sino que lo aumenten.

El actor y director mira con emoción la silletería roja del teatro Colsubsidio de Bogotá. No puede esconder la alegría de pisar el escenario y aunque lleva más de 25 años de experiencia como actor y es actualmente el director del grupo de ópera Hebei Bangzi, de Beijing (China), una compañía con 400 años de existencia, su reacción es más parecida a la de un artista que se muere de ganas por debutar.

"En este tipo de expresión artística implica una dedicación impresionante. Para actuar tres minutos en las coreografías los actores tienen que trabajar casi 30 años", finaliza  el director.

La historia de la Ópera de Hebei Bangzi
El colectivo teatral fue creado en el siglo XVII por Tina Jijun y Xiaosheng. En el ocaso de la dinastía Ming y principios de la Ping se le adjudicó el nombre de Ópera Beijing Bangzi (a finales del siglo XVII).

Después de la fundación de la nueva China, en 1949, la compañía adquirió el nombre Ópera Hebei Bangzi, durante el mandato de Mao Tse-Tung  y se convirtió en una de las referencias culturales del país en esa época. Actualmente, la compañía está conformada por 120 artistas de diferentes generaciones, ha sido clasificada como la Ópera Clásica de China y el año pasado fue declarada patrimonio inmaterial cultural de ese país.

ANDRÉS HOYOS V.

CULTURA Y ENTRETENIMIENTO 

 "Lo más arriesgado de esta historia es no contarla", dice Humberto Dorado,refiriéndose a la obra 'El deber de Fenster', que la semana pasada fue reconocida con el premio Fanny Mikey al Teatro Colombiano 2009.

En su primera edición, el galardón reconoció la valentía de un texto que habla de la masacre de Trujillo, en el Valle, uno de los episodios de violencia más impactantes del acontecer nacional.
Dorado, quien escribió la pieza junto a Matías Maldonado, insiste en que la eliminación sistemática de 245 personas entre 1986 y 1994 en los municipios de Trujillo, Riofrío y Bolívar, era un tema sensible que implicaba una lectura muy compleja.

"No fue fácil asumirla, ya que tenía todo el drama de las víctimas y los sobrevivientes", recuerda.

Pero fue gracias a la descripción detallada de un testigo que salió ileso de toda esa violencia, que se le dio forma a la obra. "Precisamente Nicolás Montero, que la dirige, fue quien me contó de la situación. Él viajó a la zona y se entrevistó con las víctimas, estuvo muy comprometido con ellos y al regresar a Bogotá pensamos en desarrollar la historia", asegura Dorado.

Al tener un primer boceto de 'El deber de Fenster', la pensaron para que fuera montada en un espacio académico y alcanzaron a proponerla en una universidad, pero por decisiones de presupuesto el proyecto se canceló.

"Cuando pensábamos que no se iba a llevar a un escenario nunca, llegó este premio y la seguridad de que los 14 meses que trabajamos en él, no habían sido en vano", comenta Dorado.

La historia transcurre en un futuro indeterminado y se centra en un editor alemán de cine que recibe unas imágenes de la masacre y se horroriza al tener que armar una película con ese material; pero después decide enfrentarse a los hechos en la sala de edición.

"No fue una decisión al azar que el personaje principal sea un alemán; al principio queríamos un personaje que estuviera desligado del hecho, pero a la vez entendiera el contexto. Los alemanes experimentaron dos guerras, un holocausto y la destrucción, pero (el personaje) se aterra al tener que lidiar con una historia de barbarie oculta".  

La puesta en escena

El equipo de creadores, en el que también está Laura Villegas, que dirige la obra junto a Montero, tuvo acceso a información y material que recopiló el grupo Memoria, de la Comisión Nacional de Reparación y Reconciliación, un ente que investigó las masacres. A la historia quisieron darle un lenguaje diferente a la típica narración dramática.

"Lo mas interesante es que la puesta en escena tendrá un elemento de multimedia que se reflejará en proyecciones de imágenes de la masacre y algunos manuscritos de los implicados. Es posible que se usen tres pantallas gigantes para representar el espacio del editor de la película", adelanta Villegas.

"Toda la identidad visual del proyecto se desarrollará el próximo año. Lo que queremos es anudar, además del video, una propuesta abierta a la ilustración, el video y el diseño de un sonido que va a ir recreando el imaginario del protagonista", agrega la directora, que estudió en la Escuela Phillipe Gaulier de Londres, donde actuó y dirigió en el Theatre de Complicité.

El objetivo es que la obra se estrene en el primer semestre del 2010, en una de las salas del Teatro Nacional.  'El deber de Fenster' fue escogida entre seis proyectos finalistas del premio Fanny Mikey : 'Los autores materiales' (Jorge Hugo Marín), 'Naúfragos' (Ricardo Sarmiento), 'El reencuentro' (Adriana Romero y Rafael Sánchez); 'Corazón horizontal' (Patricia Aguirre) y 'Tráquete' (Sandro Romero).

Qué es el premio Fanny Mikey
El galardón, dirigido a directores colombianos y extranjeros residentes en el país, ofrece la producción y presentación del proyecto ganador en la programación oficial de la Fundación Teatro Nacional en el 2010. La idea es entregarlo anualmente y mantener viva la memoria de Fanny Mikey, la creadora y directora del Teatro Nacional.

Un episodio doloroso
La masacre de Trujillo se convirtió en uno de los actos de violencia más impresionantes,  en el que se descubrieron asesinatos, torturas y terrorismo y que implicó a miembros de la guerrilla, del narcotráfico y del Ejército.

Opiniones:

"La obra estuvo lista en junio de este año y cuando se la mostramos a algunos representantes de las víctimas, hubo mucho asombro porque estábamos contando una historia que tenía más de 20 años en una hora y cuarenta minutos".
Humberto Dorado, actor y coescritor de la pieza. 

La obra, que escribieron  Humberto Dorado y Matías Maldonado,  fue escogida entre cinco proyectos finalistas, será producida en el Teatro Nacional el próximo año.  

 Después de la explicación y justificación que los directores de los seis proyectos finalistas le presentaron al jurado el pasado sábado 5 de diciembre.

La pieza promete una trama acerca de un episodio doloroso de la historia contemporánea del país, la masacre de Trujillo con una puesta en escena con una multimedia y un lenguaje cercano al teatro documental.

"El deber de Fenster no es solamente una excelente obra de teatro tanto en la documentación exhaustiva en la que está basada como en su concepción estética, sino además una obra absolutamente necesaria e indispensable para nuestro desarrollo como personas y como nación", fue uno de los conceptos que presentó que jurado del premio, conformado por Kepa Amuchástegui, Alejandra Borrero y Carlos Alberto Pinzón.

Este reconocimiento implica la producción de la puesta en escena por el Teatro Nacional y programación en una de sus tres salas en el próximo año. 

El premio implica un primer paso en la consolidación de un plan para incentivar la creación de las artes escénicas, a partir de la memoria de la fundadora y directora del Teatro Nacional, Fanny Mikey.
 

La obra Cascanueces cumple 12 años en cartelera. Se presentó por primera vez en 1995 en el Teatro Colón, de Bogotá, con un lleno total que entusiasmó a su directora, Ana Consuelo Gómez, que ha seguido desde entonces montándola cada temporada navideña con su academia Anna Pavlova.

Esta vez, Gómez convocó a alumnos y graduados e invitados internacionales para su tradicional espectáculo, que se presenta hasta el 16 de diciembre en el Teatro de Bellas Artes de Bogotá.
"Es una obra muy linda que gusta a toda la familia.

El público responde bien y el ballet tiene una gran acogida. Si no fuera así, ya no la estaríamos presentándola", dice esta mujer que a pesar de su edad conserva la elasticidad intacta en su delgado cuerpo.

Gómez asegura que montar una obra de estas magnitudes -90 bailarines entre adultos y niños- le significa "mucho trabajo, mucha disciplina, muchos disgustos, pero a la vez, muchas satisfacciones".

Y es que para ella, este es el resultado de varios meses de trabajo en los que debe estar dándoles 'lora' a todos sus alumnos porque la mayoría, "sobre todo las mujeres", son muy inconstantes.

Esta famosa historia, basada en el libro de cuentos del alemán Ernst Theodor, fue adaptada por el periodista Daniel Samper, quien realizó la versión colombiana de otros clásicos como Papá Ojosolo, El rey de los ratones, El hada del azúcar y, por supuesto, Clara y su príncipe Cascanueces.

Para el montaje, los bailarines estarán acompañados por la Orquesta y el Coro del Teatro de Bellas Artes de Bogotá.

Horarios de presentación:
Miércoles, jueves y viernes, 8 p.m.; sábado 12 de diciembre 3 y 8 p.m.; domingo 13, 11 a.m. y 5 p.m.; lunes 14, martes 15 y miércoles 16, 8 p.m.

Precios: entre 39 mil y 82 mil pesos.

*Los afiliados a Cafam tendrán un descuento del 25 por ciento presentando la tarjeta integral.

LUZ ADRIANA VELASCO

CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Considerado como uno de los dramaturgos más importantes del teatro en espacios abiertos, Beppe Chierichetti ha educado, durante 30 años, sus ojos y su sensibilidad para estudiar las calles, los parques y, en general, las zonas públicas aptas para  presentar sus piezas.

Luego de una rápida visita a Bogotá, al director del Teatro Tascabile, de Italia, le quedó claro en qué lugares presentará sus obras El amor nunca se duerme y Y del amor ¿te acuerdas?, durante el próximo Festival Iberoamericano de Teatro; sin embargo, no  quiso revelarlos. Para él, el teatro en espacios abiertos exige un ritual muy serio que nada tiene que ver con soluciones simplistas.

"No se trata solo de ponerse unos zancos y contar una historia. Cada lugar implica una modificación del texto y una reflexión nueva acerca de lo que se quiere expresar", explica. En 1974, Chierichetti soñaba con el teatro, pero con el tiempo comenzó a asfixiarlo el espacio tan reducido que significaba el escenario, la sala y la relación que se gestaba con el publico. "Se había convertido en un espacio de experiencias sociales: el  público pagaba su boleta, veía la obra y luego se iba a comer pizza o a la discoteca", comenta el italiano.

Por eso, vio en la calle y en los parques una opción para seguir junto a un equipo de incondicionales que entendieron su filosofía de trabajo: "Nuestra intención es contar una historia abierta y libre, pero creada con el rigor que contiene hacerla en un  escenario cerrado", insiste.

En ese contexto, el actor no está atrapado en las paredes de una sala, aunque se mantiene prisionero de la obra y atado al texto. Pero, en el fondo, puede transformarla según el espacio en el que se presente. Con más de 30 años de trabajo con su colectivo, Chierichetti comenta que ha logrado crear piezas teatrales que le interesa que la gente vea: "Que cuestionen, pero sobre todo, que ofrezcan elementos nuevos o interesantes".

Algo así es lo que pretende con el montaje El amor nunca se duerme, una revisión del clásico de Romeo y Julieta. Más allá de la historia de amor trágico, tratará de responder a la pregunta: ¿Quién es el asesino de la pareja?. "La vemos como una historia de conflicto familiar y no como una pieza romántica", aclara el director.

Igualmente, presentarán Y del amor ¿te acuerdas?, en la que cuentan experiencias de la vida a través de coplas, música en vivo y movimientos corporales. "Para nosotros el cuerpo es el generador de sensaciones y nuestros artistas son como juglares que se mueven por muchos lugares contando sus historias", asegura.

"Este es un trabajo duro y fascinante en el que no hay descansos ni vacaciones, pero con el cual hemos logrado conocer muchos lugares y mostrar nuestro trabajo como un reto nuevo todo los días", finaliza el actor y dramaturgo que se graduó de ingeniero  para satisfacer a su familia, pero hoy viaja por el mundo con una compañía de 32 actores tratando de mostrar que su obra va más allá de la calle y la acrobacia.

El aporte de Beppe Chierichetti

El actor, director y escritor italiano Beppe Chierichetti se hizo famoso por introducir técnicas escénicas orientales tales como las danzas orissi, bharatanatyam y balinesa. En 1991 creó la Accademia delle Forme Sheniche (Academia de las formas  escénicas) en la que desarrolló el arte teatral con esas influencias. "Cuando conocimos lo que se hacía en India con el cuerpo, supimos lo que significaba la expresión corporal", comenta.

Es el creador y promotor del 'Corteo Manzoniano', un espectáculo teatral y de narración oral que reúne a más de veinticinco mil espectadores. Fue, además, el director artístico del Festival Internacional de Teatro Il centro e la circonferenza de Bérgamo  durante cuatro ediciones. Algunas de sus obras más reconocidas son Un bárbaro en Asia, E raja de Kottarakkara y El último canto de Firs, que reúne textos de Anton Chéjov y William Skakespeare. Estas obras lo han llevado a festivales internacionales en  Brasil, Argentina, Dinamarca e India. Estudió y trabajó con la Ópera de Beijing en China.

"Teníamos que dar el salto de un teatro que se parecía a la comida rápida al teatro con historia, que hable del país, en el que los actores se jueguen la vida en el escenario", dice el dramaturgo Ricardo Rodríguez, refiriéndose al trabajo de su grupo  Ditirambo.

Sus palabras son una crítica a sus muchos de sus trabajos y reflejan la nueva apuesta del colectivo: Te jodiste amor, una pieza que reflexiona sobre los conflictos de una serie de personajes que viven en el submundo de la calle, la prostitución y la  ilegalidad.

La trama gira en torno a Rubiela y su hijo Sorel, quienes llevan una vida marcada por un amor especial que se ve interrumpido por la aparición de Fredy, un contador corrupto que busca a su hermana y trata de esconder un pasado marcado por la violencia. En ese ámbito, se propone un entramado de situaciones duras que retratan una compleja situación social en la que la explotación infantil se asoma como parte del argumento.

Presentan personajes como una prepago en bancarrota, una joven que regresa del Japón enferma después tener que trabajar como prostituta y una mujer que deja a su hermana menor en la puerta de una casa de citas. "Es un submundo fuerte. Y aunque nuestra  idea es sacudir un poco al espectador, el montaje ofrece una buena dosis de humor negro que logra dar un descanso al panorama que se ofrece", comenta Rodríguez.

Te jodiste amor rompe con un esquema de trabajo de Ditirambo, que lo tenía enfrascado en los monólogos y en obras pequeñas. Rodríguez sabía que ya era hora de volver a algo más ambicioso. "Sí, a una obra acerca de la condición humana en dos actos y con un intermedio para respirar y volver a un escenario en el que esperamos seguir diciendo cosas serias, haciendo teatro de verdad", finaliza.

La pieza está de temporada en el Teatro La Carrera (Carrera 13 No 61-24), hasta el 12 de diciembre. A las 7 p.m. Informes: 2870425 - 2326440.

Pero no porque ofrezca una programación de películas sino por tener tres propuestas teatrales de las que el público escoge a cual entrar, como se hace en las salas de cine.

El modelo se comenzó a aplicar desde la semana pasada con las piezas En clave de clown, El malo de la pelíkula y Aurora. Un montaje de gran formato y dos monólogos, en los que se funde una intención de mediar entre conflictos de género, nostalgias y humor.

"Desde el principio se pensó en aprovechar el modelo del cine. Ese trabajo lo venimos afinando desde hace más de tres meses cuando se desarrollaron las obras y configuramos una alianza con la sala del Arlequín. En ese momento preparamos cuatro salas para cada una de las propuestas", dice Katryn Nyfeler, directora ejecutiva de Casa Ensamble-Arlequín.

Según dice, lo más difícil ha sido coordinar que todas comiencen a la misma hora (8 p.m.) y que el público pierda un poco la timidez a la hora de escoger lo que quiere ver. Algunos miran los afiches de la entrada con un cierto desconcierto o confusión: ¿Todos son hoy?, preguntó una vez un hombre indeciso antes de entrar a conocer lo que tenía que decir Aurora.

Precisamente esa pieza, el debut en las tablas de la actriz Nöelle Schönwald, plantea el hastío de una mujer por su vida marital y expone las consecuencias de la violencia de género a través de un lenguaje cargado de humor negro y cinismo.

"Hay un elemento cómico y un lenguaje que se acerca al cabaret, no es un monólogo común, porque pretende ofrecer un punto de vista cómico de cosas que pueden llegar a ser horrorosas", explica el director Carlos García Ruiz.

Mientras Schönwald habla y hasta baila sus desdichas aferrada a un oso de peluche que simboliza una infancia feliz que ya no existe, en otro escenario el actor Jorge Mario Escobar le cuenta a su público lo que significa ser colombiano y vivir fuera del país.

Su trabajo en El malo de la pelíkula retoma las desventuras del inmigrante con un aderezo. "Todo se centra en las aventuras de un actor colombiano que se va para España, con  anécdotas reales que le han sucedido a actores que yo he conocido o situaciones que me han sucedido a mi cuando viví en Europa", cuenta Sandro Romero, autor de la obra.

El malo de la pelíkula juega con la ironía de una frase: "No hay nada más peligroso que salir de Colombia". "Es cierto, lo que nosotros fue la cambiar la visión de que cuando un turista llega corre peligro, por el de cuando un colombiano se queda vive al filo del riesgo", agrega Romero.

A una cuadras de Casa Ensamble, exactamente atrás de ese espacio, en el Teatro Arlequín las cosas son a otro precio con En clave de clown, una pieza más orientada al divertimento y en la que se cuentan las desventuras de siete actores en escena cargadas de humor fino y un poco de baile. Hay para todos los gustos.

Escenarios de las obras:
Aurora: Sala Mayolo, de Casa Ensamble.
El malo de la pelíkula, en la Sala Alternativa de Casa Ensamble.
En clave de clown, en la sala del Teatro Arlequín,