Los que están en otras salas contiguas no pueden resistirse a buscar a la mujer que le canta a la tristeza de su hija, desconsolada por un amor perdido.

Pero al llegar al lugar de donde sale la canción no hay más que un ventilador de mesa viejo, sobre un pedestal, que lleva atornillado el mecanismo abierto de una grabadora; en el suelo, a unos dos metros, hay un casete. Mientras el ventilador gira, el reproductor jala la cinta que sale del casete. Luego de sonar, la cinta se eleva impulsada por el viento hasta que, a medida que la canción termina, tan triste como empezó, va cayendo hasta quedar enredada (y muda) en el suelo.

Así es 'Ventilador', una de las obras más poderosas del artista bogotano Ícaro Zorbar que, a los 32 años, parece empeñado en insuflar vida y sentimientos a distintos aparatos eléctricos (ver recuadro).
"Cada obra mía es una historia -explica-. Todas tienen estructuras dramáticas, con principio y fin. No es que sea una historia literal, pero siempre pasa algo".

Es común que los que superan la primera impresión de desorden que tienen sus propuestas -pues deja cables a la vista- se queden sorprendidos al ver que están frente a máquinas que parecen expresar sentimientos.

Eso ha pasado con sus obras desde que salió de la carrera de cine en la Universidad Nacional (2003), de la que se graduó con un video al que había que darle manivela. También en ArtBo, cuando presentó una grabadora con un casete roto en la que sonaba Nadie me quiere -en español- cantada por  Nat King Cole; como el casete estaba roto, la cinta se iba saliendo mientras sonaba y , al final, quedaba desparramada en un rincón.

En el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presentó un motor de calculadora que arrastraba suave y lentamente hacia él a un walkman, mientras este interpretaba el tango Volver, de Gardel.

Ahora, Zorbar presenta sus nuevas máquinas en la Galería Casas Riegner, de Bogotá, bajo el nombre 'Estuvimos allí'. Se trata de un conjunto de instalaciones con tocadiscos, proyectores de distintos tipos (diapositivas, video...) y -casi para no creer- zanahorias y cajitas de música.

En esa sala, un pingüino de juguete gira en un disco que se quedó 'rayado' en un surco, mientras otro pingüino mira desde una silla, junto al disco, como el que da vueltas se acerca y se aleja sin parar.

En el mismo espacio, el artista muestra la parte superior de 12 zanahorias, incluidas las hojas, cada una sobre una tapa plástica de un frasco de café. Cada una está iluminada con un bombillo de linterna. Todas tienen una maquinaria de varias cajas de música que desbarató y modificó agregándole una canción a la que ya traían.

De esta manera pueden estar mezcladas What a Wonderful World (Louis Amstrong) y Feellings  (Morris Albert). El que quiera les da cuerda y las zanahorias giran como bailarinas, mientras suenan las tonadas.

Zorbar dice que lo suyo es mostrar la fragilidad de las relaciones interpersonales. También hay algo de amor en su obra.  Otro aspecto curioso es que la mayor parte de sus obras requieren su presencia para rebobinar un casete o dar cuerda a un aparato.

La experta en arte Anna Sokoloff, que ha trabajado para entidades como la casa de subastas Christie's, de Nueva York, opina que una de las virtudes del trabajo de Zorbar es, precisamente, que integra una serie de elementos disimiles.

"El uso de música, motores e imágenes de video y su participación directa en la pieza crean un objeto que es al mismo tiempo una manifestación artística. Es una obra muy poética y actual", dice  Sokoloff.

Sobre el contraste que plantea la aparente frialdad (y hasta fealdad) de sus artilugios frente a temas que involucran el amor, la poesía y los sentimientos, Zorbar dice: "Para mí lo fundamental es conmover. Si lo que muestro no conmueve, no sirve. Busco articular la frialdad de la máquina con lo humano que hemos perdido. En el fondo, pienso que una máquina desbaratada muestra que los humanos no somos tan inhumanos como realmente cremos que somos".

Máquinas bien vistas
Las  "instalaciones asistidas" -pues casi todas solo funcionan si alguien les da cuerda- han sido vistas en Bogotá durante el Salón Nacional de Artistas y ArtBo (entre otros eventos);  en Miami, en Arteaméricas, donde la Fundación Cisneros compró 'Ventilador'; en Nueva York, a donde fue por una beca de la misma fundación.

También en el Nuevo Museo de Nueva York, donde expuso con otros 49 artistas en una muestra a la que se postularon 500 creadores de todo el mundo; en una colectiva de Sao Paulo (Brasil), en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en Pekín  y en Noruega, donde fue con sus máquinas a dar un concierto.

DIEGO GUERRERO
CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

Este dibujo hace parte de la exposición La caricatura en Colombia a partir de la Independencia, que se inauguró ayer en la Casa Republicana de la Biblioteca Luis Ángel Arango, de Bogotá.

La muestra busca reconstruir la historia y evolución de la caricatura en el país, sus relaciones con la liberad de expresión, con las costumbres del pueblo y con la evolución del grabado en el país.

Los visitantes tendrán la oportunidad de hacer un recorrido por momentos cruciales en la historia nacional, como la separación del istmo de Panamá, la época de La Violencia, el nacimiento del Frente Nacional, la dictadura del General Rojas Pinilla, todos bajo la crítica mirada de los cultores de este género.

Para la muestra, su curadora, la artista e investigadora Beatriz González, reunió a un grupo de expertos que recopiló información en varias ciudades del país.

González comenzó este proceso en 1985 con el apoyo del Banco de la República y, 25 años después, el trabajo se cristalizó en esta exposición que recoge, además de los originales de las caricaturas y de los periódicos en que se publicaron, una serie de óleos, acuarelas, retratos y autorretratos de los dibujantes.

"La gente desprecia un poco la caricatura, y piensa que es algo insignificante, que no hace mella, pero lo cierto es que sí lo enseña a uno a pensar", afirma González.

A los visitantes los reciben dos salas introductorias. La primera, se centra en el escudo nacional y recoge todos los trabajos que el dibujo de humor ha hecho sobre este símbolo patrio.
La segunda sala realiza un recorrido por la historia de la caricatura mundial.

El viaje por los dibujantes colombianos comienza con una serie de retratos del bogotano José María Espinosa, considerado el primer caricaturista nacional. También hay una sala dedicada al antioqueño Ricardo Rendón, uno de los más importantes en la historia de Colombia.

"Rendón representó el momento en que se consolidó la caricatura de prensa en el país; es decir, en que la caricatura se unió a los editoriales de prensa. Además, él entendió que la caricatura en ese momento tenía que ser sintética, es decir representar una idea de una forma muy simple y directa", explica González.

El Zancudo' y 'Fantoches'

Otro de los objetivos de esta muestra es rescatar del olvido publicaciones que, según González, fueron de gran importancia en la historia de la caricatura nacional, tales como El Zancudo (1890), el periódico Los Matachines Ilustrados(1854), y la revista Fantoches (1925), entre otras.

Uno de los elementos curiosos de esta exposición es el libro que el fallecido narcotraficante Pablo Escobar Gaviria mandó a imprimir con las caricaturas que sobre él se habían hecho.

La última sección está dedicada a la caricatura en los tiempos del presidente Álvaro Uribe. González relata que el primer inconveniente que tuvieron los caricaturistas en esta época fue encontrar la mejor forma de retratar a Uribe.

Sin embargo, superado este escollo, otro problema apareció. "En estos momentos hay mucha intolerancia sobre el trabajo, de los caricaturistas, ya que a los medios llegan muchas cartas en las que piden respeto para el Presidente", afirma González.

Yhonatan Loaiza Grisales

Para EL TIEMPO

Se trata de un recorrido amplio por distintas etapas de su obra en la que se puede ver cómo el color y referencias a lo indígena se mantiene durante toda la carrera.

Si en algo no ha escatimado Nuño, es en el color. Su pincel no deja ni un punto en blanco y no teme usar un rojo con un verde o un amarillo, cosa que casi hace vibrar algunos lienzos. Algunos texto del intelectual Jotamario Arbeláez  dan luces sobre distintos momentos de su  trayecto, aunque basta ver el libro para entender que, siempre en su entorno de color, ha incluido figuras geométricas, alusiones a lo indígena, a la naturaleza o que ha pasado de lo abstracto a incluir figuras claramente reconocibles. 

Esto, especialmente, en su mas reciente etapa en la que, en medio de rombos de colores fuertes, reinterpreta íconos como la Mona Lisa, el Che Guevara, Gardel, Superman, Van Gogh y  el ratOn Mickey. Todo ello se ve en este libro que lleva su nombre y que fue impreso en  D'vinni en un gran formato y  de manera impecable.

LANZAMIENTO DEL LIBRO EN LA LOCALIDAD. CALLE 118 No. 5-33, 7 P.M.

La exposición, denominada Feliza Bursztyn, elogio de la chatarra, que estará abierta al público desde este viernes, es una nueva mirada a la obra de la escultora de vanguardia, una de las artistas más influyentes del arte colombiano en los 60.

Tal vez la principal razón de este nuevo enfoque sea que ninguno de los curadores de la muestra sobrepasa los 25 años.

Aunque no conocieron en vida a la artista, Camilo Leyva, de 24 años, Manuela Ochoa, de la misma edad, y Juan Carlos Osorio, de 25, son expertos en la obra de Bursztyn, la cual han estudiado de manera concienzuda. Leyva, inclusive, desarrolló su tesis de grado, en la Universidad de Los Andes, sobre la obra de la artista bogotana. Los tres fueron invitados por el Museo Nacional para curarla.

En realidad, la distancia generacional puede ser, en este caso, una ventaja para dar una mirada desde una perspectiva más contemporánea a la obra de una mujer que supo ver las posibilidades artísticas en cosas que para otros solo servían como chatarra. 

Viejas máquinas, con nueva vida

La exposición puesta en la sala temporal del museo y que hace parte del Programa de Homenajes Nacionales, del Ministerio de Cultura, está dividida en tres áreas: Poesía, Movimiento y Espacio.

En la primera, se ven  pedazos de autos que Bursztyn volvió esculturas. En Movimiento, los curadores pusieron dos series famosas en su tiempo: 'Las histéricas' y 'Minimáquinas'; provistas de motores o aptas para ser movidas por la gente se agitan de manera casi descontrolada.

Finalmente, en Espacio están sus famosas camas, cuyos cobertores toman distintas formas, según el movimiento que hacen posible los motores que tiene cada una.

Para quienes no han visto su obra, resulta una oportunidad para entender su influencia en el arte nacional: "Ella abrió caminos en la escultura con una propuesta distinta a la abstracción de artistas como Negret o Villamizar, y le agregó sonido y movimiento", dice Leyva. Para Ochoa, la exposición muestra la actitud irreverente de la artista: "El trabajo de las mujeres era visto más hacia la decoración y había pocas en el mundo del arte. Bursztyn propuso grandes controversias al trabajar con chatarra".

Las piezas están en un sorprendente buen estado -teniendo en cuenta que están compuestas por chatarra con puntos de soldadura que pueden ser frágiles-. Por eso, algunas ya no se pueden tocar, como antes. Aún así las camas funcionan y otras obras tienen motores renovados que les provocan movimientos nerviosos. El recorrido no es nada largo, pues está en una sala dividida en dos. Además, las propuestas de la artista, vistas con ojos de hoy, resultan bastante divertidas y sorprendentes para quien no las conoce. Como diel joven curador Osorio: "Es bueno que la gente más joven vea que el mundo no se inventó hoy".

Feliza Bursztyn nació en Bogotá en 1933. Estudió pintura en el Art Students League, de Nueva York, y escultura con el artista ruso Ossip Zadinke, en la Academie de la Grande Chaumiere, de París.  A partir de 1961 se dedicó a trabajar con chatarra. Su casa fue centro de reunión de personalidades e intelectuales como Gabriel García Márquez, Alejandro Obregón, Santiago García y Marta Traba. Se exilió en México en 1981. Murió en París el 8 de enero de 1982.

Museo Nacional, desde el 4 de diciembre al 28 de febrero del 2010. Boletas entre 500 y 3.000 pesos, según tarifa diferenciald el Museo. Abierto de martes a domingo. Informes en el 334 83 66.

Artista, dramaturgo, director teatral, coreógrafo y diseñador, el belga Jan Fabre, a quien el Museo de Louvre le hizo una exposición temática en el 2008, acaba de abrir una muestra en Medellín.

El Museo de Arte Moderno de esa ciudad presenta 14 piezas, entre pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones de su autoría, que constituyen un recorrido por más de 30 años de carrera.
Desde sus primeros dibujos, orientados a sus empíricos conocimientos en entomología, hasta las polémicas instalaciones con perros y gatos disecados, cada pieza les habla a los visitantes de su obsesión: la vida después de la muerte. 

"Umbracullum, una de mis muestras, es un recuerdo de lo que fue y ya no existe; son cuerpos espirituales, no físicos, ni eróticos", explica Fabre sobre una obra en la que dos monjes, hechos de huesos, se elevan levemente sobre la sala de exhibición.

Fabre, que ya había venido a Colombia para dos ediciones del Festival Iberoamericano de Teatro, considera que su trabajo, independiente de si es un performance, una pieza de teatro o un dibujo, está siempre encaminado a exaltar la belleza y conocer la vulnerabilidad del cuerpo humano. "Soy un sirviente de la belleza, estoy de rodillas para lo que la belleza quiera", dice.

Contrario a lo que muchos creerían, las asociaciones de Fabre con la vida de los insectos, sus figuras hechas con huesos y el uso de semen, lágrimas y sangre no son más que su manera de defender y glorificar la humanidad.

"Todo el tiempo queremos hacer ver que no sudamos, que no tenemos olores y no es así, nosotros sangramos, orinamos, olemos. Eso es lo bonito de la piel, de ser humanos".

Para Fabre el ser humano no dista de los animales; por eso estos siempre están presentes en sus obras. Dos de sus puestas más polémicas son El carnaval de los perros callejeros muertos y La protesta de los gatos muertos del callejón, ambas presentan animales disecados que, inclusive, parecen en movimiento.

Pero Fabre no duda ni un segundo de su creación. "¿Polémica? ¿Cuál polémica? Si los gatos son un homenaje al empoderamiento y al carácter de la mujer, y los perros ya estaba muertos cuando los recogí de las autopistas porque los ricos los botan allí en invierno", enfatiza.

Esa seguridad es, precisamente, la que percibe el visitante de su obra. Pueden ser descabelladas e irreverentes, pero directas.
Después de haber experimentado con éxito gran parte de las expresiones artísticas como el teatro, la actuación, la dirección, la danza, la escultura y la pintura, este belga no sabe qué sigue en su carrera.

Así que mientras su muestra continúa siendo apreciada en los grandes museos del mundo y en la nueva sede del Museo de Arte Moderno de Medellín, Jan Fabre asegura que seguirá dibujando y escribiendo todas las noches, vital en su proceso de creación.

Un vistazo a su carrera

 
La muestra de Jan Fabre que se exhibe en el Mamm, hasta finales de enero de 2010, es una selección de obras que el artista realizó entre 1977 y 2007.

La primera parte corresponde a sus inicios experimentales con insectos. Se trata de dibujos que demuestran su fascinación por no solo por cómo se  transforman, sino cómo se protegen.
Otra muestra son los dibujos con fluidos corporales: sangre, semen y lágrimas, que resultan de su investigación de los límites del cuerpo humano y el aprovechamiento de éste como material de creación.

La hora azul corresponde a una instalación dibujada con lápiz Bic, una obra en la que los asistentes hicieron su parte dibujando trazos. El artista logró transformarla en una creación tridimensional.

Una instalación con piezas de armadura de bronce, que aluden a la imagen de guerrero insecto, es 'Sanguis /Mantis. Paisaje (Campo de batalla)', que hace alusión a la protección que al humano le brindaría una estructura de caparazón similar a la de los insectos.