Para hacer efectiva una beca de residencia que obtuvo en el Encuentro Internacional Medellín 2007, Juan Fernando Herrán escogió irse a trabajar en los barrios populares de esa ciudad. Después de andar y andar decidió tomar como centro de sus fotografías lo que los paisas llaman 'las escalas'.

Son hechas por los mismos habitantes de las comunas, que, a su manera, intervienen un territorio complejo por sus pendientes (que alcanzan los 60 grados de inclinación) y así logran conectarse con el resto de la sociedad y circular, verticalmente, en su propio barrio.

"La gente termina esculpiendo, dándole forma al espacio público", comenta Herrán (Bogotá, 1963) en su taller.

Las fotografías que integran 'Escalas' y algunas esculturas que Herrán está trabajando para llevar en marzo al Palais de Glace, en Buenos Aires, integran la exposición 'Menos tiempo que lugar', que el destacado curador alemán Alfons Hug -encargado de la Bienal de Sao Paulo 2004- armó para reflexionar alrededor del Bicentenario con artistas de América Latina.

La muestra ya estuvo en Quito y viajará a Buenos Aires, Santiago de Chile, Montevideo y Medellín (se abrirá en octubre próximo, en el Museo de Antioquia).

"Sus fotografías de Medellín hablan de volver cultivable la tierra en circunstancias adversas, de colocar la piedra fundamental y de formas primitivas de tomar posesión", escribe Hug en el catálogo de la muestra.

Un lugar propio
La serie, integrada por ocho fotografías, comienza con imágenes de largos caminos que la gente construyó para comunicarse y después se concentra en las 'escalas', algunas, inclusive, no conducen a ninguna parte.

Para cerrar la muestra, presenta la fotografía 'Lugar propio', que Herrán tomó dentro de la casa de un habitante de la Comuna 13: tiene un primer piso muy pequeño, donde hay cuarto, cocina, sala y lavadero, y una escalera de madera que el espectador no sabe si en realidad comunica con un segundo piso o es, más bien, la señal de un deseo de construir en el futuro.

"Son escaleras que combina necesidades y sueños", agrega el artista, que en el 2007 obtuvo el Premio Festival Off, de Photoespaña, por su exposición 'Campo Santo', que exhibió en la Galería Magda Bellotti, de Madrid.

Para la muestra en Buenos Aires, Herrán está trabajando una escalera de nueve metros de altura que responde a la esencia de las que vio en las comunas. La tituló 'Espina dorsal' y tiene bifurcaciones, como las que existen en las escaleras de los barrios. La está haciendo a partir de ángulos de inclinación reales y de diseños propios del lugar.

"Quiero estar cerca de esas manifestaciones de la gente, de esas respuestas maravillosas a sus circunstancias, de la belleza de lo cotidiano".

Se refiere también a su obra anterior, 'Campo Santo' (2006), que nació al hallar una serie de cruces en un camino de herradura en las afueras de Bogotá. Con ellas, la gente conmemora la muerte de sus seres queridos. Todas son hechas con materiales encontrados en el lugar y no tienen nombres, son, como dice el artista, "gestos" para lidiar con el duelo.

"Las fotografías también revelan un territorio cargado de huellas personales donde el sufrimiento y el duelo se asumen y se materializan a partir de gestos íntimos de singular belleza".

Siete imágenes de esa serie fueron compradas por el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y de León (Musac) y un tríptico, por el Banco de la República.

El artista, conocido por sus imágenes de multitudes desnudas, dijo el jueves que tiene de nuevo en la mira a este país para sus famosas fotografías.

Tunick habló al presentar su exposición 'Citadinos', que estará abierta hasta junio en el Museo de Arte Contemporáneo (Marco) en Monterrey, la capital industrial ubicada en el norte de México.

"Me dijeron que debería ir a Oaxaca, entonces he estado haciendo algo de investigación recientemente, he estado viendo los paisajes y la ciudad, es un área realmente muy hermosa", señaló. "También me gustaría hacer unas obras en las pirámides mayas cerca de Tulum (oeste) o en Guadalajara, si me invita un museo", agregó.

El fotógrafo reconoció que será difícil repetir la experiencia de mayo de 2007, cuando congregó a unas 18.000 personas desnudas en el Zócalo en la capital mexicana. "Nunca va a haber una más grande que en la ciudad de México con 18.000 personas, donde pueden suceder cosas que no podrían suceder en ninguna otra parte del mundo, entonces el único modo en que yo podría hacer una obra mucho más grande a esa, sería regresando a la ciudad de México", indicó.

La exposición "Citadinos" congrega unas 30 fotos de "gente común y corriente" que se funden con el arte en parajes de la capital mexicana aprovechando las sombras de la ciudad. Tunick dijo que tomándolas se sintió "como Drácula en carrera contra el  sol".

La artista quien vive en Nueva York desde hace 25 años, inaugura el jueves 14 de enero una nueva instalación pública en Manhattan en la que reflexiona sobre la maternidad y la idea de que el hombre pueda dar a luz algún día.

"En el mundo en que vivimos ahora, debemos tener la flexibilidad de pensar por qué un hombre no podría dar a luz en un futuro también", explicó Amorós en una entrevista con Efe mientras ultimaba los detalles de su nueva instalación, con la que pretende desafiar las concepciones más tradicionales de la maternidad.

El resultado de ese desafío es un espacio al que ha llamado "La incubadora" y que, situado en uno de los ventanales exteriores del céntrico Roger Smith Hotel de Manhattan, presenta un total de once esculturas realizadas con moldes del propio busto de la artista cuando estaba embarazada, pero que cuentan con un rostro masculino. Se trata así de uno de los proyectos más personales de Amorós, quien se ha colocado, gracias a esos bustos, como protagonista de su propia obra, con la voluntad de llamar la atención acerca de "los avances científicos y tecnológicos, así como sobre la posibilidad real de que el hombre pueda llevar en su interior a sus hijos".

"Durante mi embarazo, mi esposo se mostraba muy curioso acerca de las cosas que yo sentía y yo creo que él hubiera querido más hijos si fuera él mismo quien pudiera tenerlos", añadió Amorós, quien aseguró que esa experiencia fue la desencadenante de unas obras que llevan el subtítulo de "No puedes sentirlo, pero ojalá pudieras".

Nacida en Lima en 1962, esta artista, que se define como una gran seguidora de la ciencia y la tecnología, asegura que "La incubadora" llega en un momento en que "ya hay estudios en Canadá que indican que el hombre puede quedar embarazado, mientras, estos se muestran socialmente más involucrados con sus mujeres en la experiencia de ser padres".

"Sí creo que en un futuro va a poder ser así y que los hombres van a querer que sea así, porque cualquier hombre con sensibilidad tiene mucha curiosidad al respecto", dijo la artista, quien quiere transmitir que "la vida está cambiando y que hay que ser flexibles con los cambios y uno no se puede aferrar a ciertas ideas".

Para elaborar las esculturas que los transeúntes pueden ver desde el jueves 12 de enero en la Avenida Lexington de Manhattan, la artista también tomó ciertos riesgos personales, ya que como se dijo anteriormente, quiso construir los bustos con un molde de su propio cuerpo cuando faltaban pocos días para que diera a luz.

"Hicimos los moldes cuando me faltaba una semana para dar a luz, por lo que muchas empresas especializadas no quisieron acceder a mi petición", recordó Amorós, quien finalmente encontró una compañía que aceptó, pero que le hizo firmar "muchos documentos en los que asumía" su "propia responsabilidad si algo le sucedía" a su hija.

El peligro más común hubiera sido que la artista rompiera aguas mientras se le practicaba el molde, pero finalmente todo salió "a la perfección" y consiguió unas figuras que más tarde reproduciría en papel, cera cáustica y otras sustancias tras nueve meses de pruebas que dieron lugar al aspecto deseado.

Los once bustos, que a simple vista parecen hechos en piedra, son acompañados por varios adornos en forma de luz, así como una superficie llena de arena, un material que lleva a la artista a sus raíces, al mar y la playa de Perú, que han jugado un papel "muy importante" en su vida y en su obra.

Dávila confiesa que la elección de Bogotá como escenario no es inocente. Dice que no hay nada nada menos inocente que la fotografía. Inocente llega el espectador a 'Nubes de un cielo que no cambia'. Pero no sale igual. 

 
JUANITA SAMPER OSPINA
CORRESPONSAL DE EL TIEMPO
MADRID, ESPAÑA 

La artista norteamericana Emily Prince ha presentado en la capital británica una instalación con los retratos de 5.158 militares de Estados Unidos muertos en la llamada guerra antiterrorista.
   

La instalación, que asemeja un mosaico de tarjetas postales, se titula "Militares Norteamericanos Muertos en Irak y Afganistán sin incluir a los heridos ni a iraquíes y afganos".
   

Los retratos están dibujados a lápiz y coloreados según el color de la piel de la persona que perdió la vida: blanco para los de origen caucásico, de distintos tonos marrones para los hispanos y los africanos, y amarillo para los de origen asiático.
   

Hay también algunas tarjetas que la artista ha dejado en blanco, bien porque no llegó a publicarse ninguna fotografía del fallecido o porque no se le pueda asignar un origen étnico.
   

La exposición ocupa tres paredes de la galería Saatchi, de Londres, con una longitud total de cuarenta metros.
   

Prince, que vive en San Francisco, confesó a la prensa que no conocía personalmente a ninguna de las víctimas de la guerra y que por eso mismo comenzó el proyecto.
   

"Me preocupaba lo fácil que era olvidarse de la guerra si no se conocía a nadie entre los que prestan servicio militar", explicó.
   

La artista dijo que había pasado en total 5.000 horas creando esos retratos a partir de las fotografías que las familias de los caídos colocan en un portal de internet.
   

"Durante el primer año trabajaba siete días a la semana, aunque ahora le dedico una o dos tardes semanales", señaló.
   

Actualmente el último retrato corresponde a Jason McLeon, de Crystal Lake, Illinois, muerto el 23 de noviembre del año pasado, aunque Prince intenta añadir todos los muertos hasta el pasado 1 de diciembre, cuando el presidente Barack Obama anunció su nueva estrategia para Afganistán.

EFE

Uno de los paisajes más importantes pintados por Gustav Klimt (1862-1918), que se extravió durante la época nazi y reapareció décadas después, se ofrecerá este 3 de febrero al mejor postor en Londres, informó hoy la casa Sotheby's.
   
"Iglesia en Cassone - Paisaje con cipreses" (1913), única obra existente del pintor simbolista austriaco en la que aparece el lago italiano de Garda, tiene un precio estimado de hasta 18 millones de libras (29 millones de dólares).
   
El cuadro, ejecutado durante unas vacaciones del artista en Italia con su musa y amante Emilie Floge, forma parte de una serie dedicada a los lagos que figura entre los trabajos mas significativos del maestro, según indicó Sotheby's en un comunicado.
   
"Aquí, el gran logro del artista fue combinar la belleza y la calidad del paisaje urbano con una técnica muy personal e innovadora", dijo  la vicepresidenta del departamento de arte impresionista y moderno de la casa de subastas, Helena Newman.
   
La obra, que muestra la monumental iglesia de la localidad de Cassone emergiendo sobre pequeñas casas cúbicas y cipreses a pies del lago, integró la colección del magnate austrohúngaro del hierro Viktor Zuckerkand (1851-1927) y su esposa, Paula.
   
El cuadro desapareció en Viena durante el periodo nazi y se dio por perdido o destruido, pero reapareció en 1962, cuando se colgó en una exposición en la ciudad austriaca de Graz para conmemorar el centenario del nacimiento de Klimt.
   
"Iglesia en Cassone - Paisaje con cipreses" se pondrá a la venta gracias al acuerdo al que llegaron un sobrino nieto del magnate, de 81 años, y un coleccionista europeo en cuyas manos ha estado el cuadro durante varios años. 

Un retrato, que en 1929 protagonizó una dura batalla legal para determinar si era obra de Leonardo da Vinci, de uno de sus discípulos o de seguidores y que, desde entonces, se ha sometido a distintos análisis científicos, saldrá a la venta en Nueva York el próximo 28 de enero, anunció hoy la casa Sotheby's.
   
"La belle ferronière", una versión de una obra de Da Vinci que se encuentra en el Louvre de París y que retrata a Lucrezia Crivelli, una amante de Ludovico Sforza, duque de Milán, saldrá a puja con un precio estimado entre 300.000 y medio millón de dólares, pese a que se ha determinado que Leonardo no fue su creador.
   
"El debate sobre la autoría de este retrato ha persistido hasta nuestros días", explicaron los expertos de Sotheby's sobre la controvertida historia de una obra que llegó en los años veinte del pasado siglo a Estados Unidos como un original de Leonardo y que ha centrado numerosos estudios e incluso un exitoso libro después de que se dictaminara que su autor era un discípulo del genio italiano.
   
Los responsables de la casa de subastas explicaron que "análisis científicos recientes de los pigmentos usados para la elaboración de la obra han confirmado esa conjetura y sugieren que fue pintada por un artista francés o alguien que usó materiales franceses".
   
La obra, fechada primero en la primera mitad del siglo XVII y más tarde ya en el XVIII, centró la polémica entre los entendidos en arte después de que un empresario, Harry Hahn, y su esposa francesa intentaran venderla como una auténtica obra de Da Vinci al Instituto de Arte de Kansas City en la década de los veinte.
   
La transacción, valorada entonces en 250.000 dólares, llamó la atención del experto en arte renacentista Joseph Duveen, quien determinó que "La belle ferronière" no era obra de Da Vinci, lo que provocó el fracaso de la venta y que Hahn acudiera entonces a los tribunales de Nueva York para defender la autenticidad del retrato.
   
En el juicio, que centró la completa atención mediática de la época, Hahn presentó las pruebas de las que disponía para defender que la obra presentaba el genio de Da Vinci, mientras que Duveen intentó convencer al jurado de todo lo contrario, algo que no consiguió y por lo que se le condenó a compensar al dueño del cuadro por los daños ocasionados.
   
La obra quedó, sin embargo, en manos de la familia Hahn, que intentó venderla sin éxito durante la década de los cuarenta y que decidió guardarla bajo llave hasta 1993, cuando un nuevo experto en Da Vinci la estudió y dictaminó que no correspondía al italiano, una aseveración que confirmaron más adelante otros estudiosos.
   
"Después de ochenta años, La Belle Ferronnière podrá emerger no sólo de la sombra de Leonardo da Vinci, sino de cerca de un siglo de controversia y abandono de la crítica", explicaron los responsables de Sotheby's, quienes esperan que el retrato sea una de las piezas estrella de la serie de subastas que dedicará entre el 23 y el 29 de enero a los "grandes maestros del arte".
   
La obra se podrá ver expuesta en la sede Sotheby's en Los Ángeles (California) el próximo 13 de enero y en sus galerías de Nueva York a partir del 23 de este mes.