'Mujer fumando', una enorme escultura de bronce del artista Fernando Botero, fue adquirida el pasado 17 de noviembre en Nueva York por más de un millón de dólares durante una subasta de arte latinoamericano organizada por Christie's.

En la primera y más importante sesión, celebrada en las galerías de Christie's en el Rockefeller Center de Manhattan, uno de los artistas más presentes fue el antioqueño, del que se ofrecieron desde obras en papel y pinturas hasta alguna de sus carismáticas esculturas.

Ese es el caso de 'Mujer fumando', realizada en bronce y con pátina marrón oscura, que tiene unas dimensiones superiores a los 3,5 metros de largo y 1,5 metros de ancho y alto, y que salió a la venta por medio millón de dólares.

Christie's había calculado que la vendería por entre 800.000 dólares y 1,2 millones de dólares y efectivamente el precio de martillo fue de 950.000 dólares, aunque una vez añadidas las comisiones y demás gastos, quedó en 1.142.500 dólares.

La figura, en la que la dureza del bronce en que está realizada contrasta con la suavidad de sus formas, es un ejemplo icónico de los temas que prefiere este artista, así como de su debilidad por las formas voluptuosas.

El artista colombiano, nacido en 1932 en Medellín, es uno de los creadores latinoamericanos más cotizados del momento, algo que quedó patente en una velada en la que también se vendieron otras piezas suyas como 'Horse with saddle' (338.500 dólares), 'Reclining Woman' (242.500) 'El Milagro de San Hilarión' (290.500), 'Dancers' (56.250) y 'Vida de San Zenobio' (242.500).

También se adjudicó la pintura 'Mother and Child', de 1990, considerada una de las obras más exquisitas de Botero en este medio, que salió a la venta por entre 450.000 y 650.000 dólares y finalmente se adjudicó por 614.500 dólares.

Sin embargo, quedó sin venderse 'The Patio', una pintura de llamativos colores realizada en 2000, que salía a la venta por entre 500.000 y 700.000 dólares.

Otros artistas

Junto a las obras de Botero, un grupo de pinturas de la década de los cuarenta y cincuenta del chileno Roberto Matta (1911-2002) atrajeron también gran atención entre los compradores potenciales, ya que era la primera vez que se ofrecían en una subasta, y 'Crucisphere' se vendió por 398.500 dólares.

También se vendieron de él 'Eupure' (1944) por 386.500 dólares, 'Horror is not Truth' (1948) por 146.500, 'Qui insuffle le printemps' (1952-1958) por 494.500, y 'Sketch-Etude au temps du Le forçat de la lumière' por 338.500, entre otras muchas piezas suyas.

Del también chileno Claudio Bravo, nacido en 1936, destacó la venta de 'White, Blue and Yellow Papers', que superó los 722.500 dólares y fue la obra procedente de ese país más cotizada.

En cuanto a los artistas mexicanos, destacaron las ventas de Rufino Tamayo (1899-1991), entre ellas 'Mujeres', una obra maestra pintada en París en 1960 en la que se observan claramente sus influencias expresionistas y abstractas y que fue adquirida por 698.500 dólares.

Su potente pintura 'Pájaros', realizada durante la Segunda Guerra Mundial y en un una de sus etapas más creativas, se vendió por 586.500 dólares, al tiempo que su 'Adán y Eva' se colocó por 386.500 dólares, mientras que 'Retrato de Olga' y 'Hombre en el espacio' quedaron sin vender.

Otra de las piezas más cotizadas fue un cuadro sin título de Wifredo Lam (1902-1982) realizado entre 1946 y 1947, en el que se pueden observar una de las figuras antropomórficas que caracterizan la obra de este artista cubano y que se adjudicó por 662.500 dólares. También suya es 'Les Jumeaux', que se vendió por 236.500.

Desde Uruguay, el 'Navío constructivo' realizado por Joaquín Torres-García en 1934 se vendió por 362.500.

Entre las piezas que también superaron hoy los 300.00 dólares destacaron igualmente 'Cuatro pescados' del mexicano Francisco Toledo (nacido en 1940) y 'Tríptico con amarillo' del venezolano Jesús Rafael Soto (1923-2005).

Esa casa de subastas ofrecerá entre hoy y el miércoles más de 250 obras de artistas de quince países latinoamericanos, con las que pretende movilizar más de quince millones de dólares.

NUEVA YORK (Efe)

  Bajo el nombre de "Velázquez Rediscovered" se organizó esta exposición, que abrirá al público del 17 de noviembre al 7 de febrero y que además de esa obra incluirá otros trabajos del maestro Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660).
   
   
El museo neoyorquino recordó que "Retrato de un hombre" es una pintura que recientemente atribuyó al maestro español, después de haber realizado su limpieza y restauración.

En septiembre pasado, el Metropolitan dio a conocer su descubrimiento, pues con anterioridad había atribuido esa obra a algún discípulo de la escuela del artista español y como tal se pudo ver durante años en sus galerías.
   
Tras un estudio en profundidad de la obra, que tenía varias capas de barnices y otra restauración, "la obra emergió con el autógrafo incluido del maestro", recordó hoy el museo, que señaló también que Velázquez reflejó de manera informal a un caballero, y que en la obra se notan los trazos del maestro sevillano.
    
       
Al mismo tiempo que organiza esta exhibición, el museo neoyorquino publicará un libro ilustrado del artista español con la introducción realizada por el responsable de su departamento de pintura europea,  Keith Christiansen, y ensayos de los expertos
Jonathan Brown y Michael Gallagher.
 

La muestra de arte cubano contemporáneo que se exhibe en la galería La Cometa, en Bogotá, presenta obras que rompieron con el 'canto idílico', como denomina Clarisa Crive, curadora de la exposición, a los trabajos que plasmaron el proceso de la Revolución Cubana.

Crive explica cómo, a partir de los 80, comenzó un renacer del arte joven, que se cuestionó su propia realidad. "Le continuó -dice- la generación de los 90, que mostró nuevos intentos por regresar al oficio, que en la década anterior habían sido efímeros porque imperaban el performance y las instalaciones".

La curadora comenta que la exposición que llega al país agrupa artistas cubanos de las últimas décadas que están en consonancia con las propuestas artísticas del arte contemporáneo universal. La muestra incluye obras de Yoan Capote, René Peña, Felipe Dulzaides, Adonis Flores, Esterio Segura y Fernando Rodríguez.

"Fernando Rodríguez viene con su personaje heterónimo Francisco de la Cal, que es uno de los más importantes del arte cubano contemporáneo. A través de este, Fernando habla de la vida, de la sociedad, de la revolución de todas las cosas, como un ciudadano común, que emite criterio acerca de la vida", explica Crive, curadora de las exposiciones colaterales de la Bienal de La Habana 2006.

Por su parte, el trabajo que trae el artista Yoan Capote está inspirado en los estados psicológicos del individuo. "Casi todos los títulos de mis obras surgen antes de crearlas. Lleno mi agenda de títulos y luego fabrico la pieza a partir del contenido. Y eso hace que en mi trabajo, cada vez más, se priorice el concepto", explica el artista.

En ese sentido, su obra Stress se inspira en el bruxismo (rechinamiento involuntario de los dientes durante el sueño), que tanto afecta al mundo moderno. Se trata de una pieza fabricada con huellas dentales en bronce, tomadas de una clínica de La Habana, que a su vez sostienen unos bloques de concreto.

"Puede ser una pieza en la que las personas entiendan un significado local de Cuba, pero cuando la expuse en Nueva York, muchos pensaron que me refería a la experiencia en el Wall Trade Center, porque la forma de la pieza recuerda a un edificio", comenta Capote, graduado del ISA (Instituto Superior de Artes de La Habana).

Las obras de los demás artistas juegan con lo posible, lo imposible y la memoria, como lo hace el escultor Esterio Segura; con las dualidades del ser y de la vida, como las fotografías de René Peña; con lo cínico y la doble moral de la vida (Adonis Flores) y con la relación de la realidad con distintos contextos (Felipe Dulzaides).

ESTADO EL ARTE CUBANO HOY

Aunque el arte cubano pasa por un buen momento, el fotógrafo René Peña llama la atención del peligro que representa el fuerte ingreso del mercado. "El artista en Cuba está tratando de mantener su obra con la seriedad que traía, pero hay gente que se ha enredado en asuntos más comerciales, cayendo en la repetición de fórmulas". Por su parte, Yoan Capote cree que "el arte goza de un alto nivel, gracias a la gran presencia internacional que están teniendo". Sin embargo, Peña también lamenta el surgimiento masivo de malos curadores y coleccionistas "que andan buscando política en el arte sin saber diferenciar entre el buen arte o el arte mediocre".

¿Cuándo y cuándo?

Abierta hasta el 30 de noviembre. Horarios: de lunes a viernes de 9 a.m. a 7 p.m. y los sábados de 11 a.m. a 4 p.m. Galería La Cometa, carrera 10 No. 94 A - 25. Teléfono: 601-9494.

El museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) celebra el noventa aniversario de la creación de la alemana Escuela Bauhaus, donde nació el conocido movimiento vanguardista, con una extensa exposición de más de 400 objetos.

Bajo el título de "Bauhaus 1919-1933: Talleres para la modernidad", el museo neoyorquino conmemorará, hasta el próximo 25 de enero, el origen del que los responsables de la institución definen como "el movimiento vanguardista más famoso e influyente del siglo XX" y que "dio forma al mundo visual contemporáneo".

Quienes visiten el MoMA podrán disfrutar así de más de 400 objetos que rinden cuenta del impacto que la Bauhaus tuvo en el arte del siglo pasado, desde que su conocida escuela se fundara en 1919 en la ciudad alemana de Weimar y hasta que el régimen nazi la enviara al exilio en 1933.

"Los estudiantes y los profesores de la Escuela Bauhaus quisieron replantearse cada una de las formas de la vida contemporánea, por lo que la institución se convirtió en el lugar donde se desarrollaron deslumbrantes experimentos en las artes visuales", explicaron los responsables del museo neoyorquino en un comunicado.

Del expresionismo al futurismo o el dadaísmo

El MoMA expone ejemplos de los distintos campos en los que influyó un movimiento asociado habitualmente a la arquitectura y al diseño, por lo que la muestra tiene piezas de mobiliario, gráficos, textiles, cerámica, diseños de vestuario, pinturas y esculturas, entre otros objetos.

Se trata de obras de algunos de los maestros de la Bauhaus, así como de algunos de los alumnos más famosos de la misma, como Anni Albers, Josef Albers, Herbert Bayer, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Lyonel Feininger, László Moholy-Nagy, Lucia Moholy, Lilly Reich, Oskar Schlemmer o Gunta Stölzl.

La muestra recorre así las múltiples ramificaciones del movimiento y su influencia en corrientes artísticas que van del expresionismo, al futurismo o el dadaísmo, con Wassily Kandinsky y Paul Klee como máximos exponentes.

Se trata de la primera aproximación exhaustiva que el MoMA dedica a ese movimiento vanguardista identificado con la utopía, la linealidad y la estética de lo funcional, desde 1938, cuando fue el mismo fundador de la Bauhaus, Walter Gropius, quien se encargara de organizarla.

MoMA espejo del movimiento

Desde la entidad neoyorquina se asegura que "ningún otro museo del mundo recibió tanta influencia de la Bauhaus como el MoMA, cuyas colecciones se diseñaron para acoger un número sin precedentes de medios artísticos y de diseño".

Muestra de ello es que la muestra recoge 80 obras de la colección del museo neoyorquino, además de unos 150 objetos raramente expuestos, procedentes de las tres instituciones que tutelan el legado Bauhaus en Alemania -la Fundación Clásicos de Weimar, su homóloga de Dessau y el Archivo Bauhaus de Berlín-.

El resto de obras han llegado como préstamos de varias fundaciones, del Centro Pompidou de París o del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, entre otras instituciones y colecciones privadas europeas y estadounidenses.

Algunos de esos objetos han sido exhibidos en una muestra del museo Martin Gropius de Berlín, donde en julio abrió la exposición "El Modelo Bauhaus", también para celebrar los noventa años del movimiento.

NUEVA YORK, (Efe)

La memoria urbana y su transformación estética es la temática central de las exposiciones de arte juvenil La Vitrina y Domestika, que se inauguran este sábado, 7 de noviembre, en dos edificaciones de 1.200 metros, próximas a ser demolidas en el norte de Bogotá. Las muestra es organizada por las fundaciones Visiva y Nexos Urbanos.

Para el artista Franklin Aguirre, de Visiva, este tipo de proyectos buscan, por un lado, aprovechar esos espacios no convencionales y "residuales" de las ciudades para reactivar los circuitos de arte; y por el otro hacer una reflexión en torno al desalojo y la memoria.

Sobre este punto, la artista Alicia De la Torre, de Nexos Urbanos, explica que se trata de una invitación a "preguntarse sobre la transformación de la ciudad, qué le está ocurriendo a los sitios que antes eran residenciales y la forma como esa primera ciudad va desapareciendo para darle paso a una nueva estética urbana poblada de grandes edificios".

Luego de abrir una convocatoria, a través de Internet, a la que llegaron cerca de 400 proyectos, resultaron escogidos 37 propuestas de arte joven. La curaduría estuvo a cargo de Aguirre y De la Torre.

En la primera casa, tendrá lugar La Vitrina, en la que 17 artistas expondrán sus trabajos, en una especie de feria artística abierta al público. Se podrán apreciar las obras de Bernardo Montoya, Fabián Bernal, Lilian Leff, Alexandra Nader, Max Steven Grossmann, José Alejandro Arboleda, Andrés Fernando Posse Díaz, Roberto Cata, Cristina Ochoa, Juan Calle, Farid Cortez, Ana María García, Alexander Ríos, Andrés Bustamante, Óscar Gordillo, Adriana Apache y Luis Saray.

La segunda edificación albergará las intervenciones de 20 artistas que se darán cita en la propuesta denominada Domestika. "Aquí, muchos de los artistas generan un diálogo con el espacio: para qué fue creado y su uso específico en cada área. Algunas de las obras son 'in situ' y otras son obras de taller que se apoderan del lugar", explica Aguirre.

Entre los artistas que participarán en esta exhibición se encuentran Arturo Caipa, Camilo Bojacá, Esteban Sánchez, Natalia López, Sergio Páez, Valentina Romero, Xiomara Zapata, Diana Rivera, Alejandro Méndez, Fabián Miranda, Iván Castillo, Juliana Góngora, María Leguizamo y Fredy Jiménez.

¿CUÁNDO Y DÓNDE?

Lugar: Calle 93ª No 19-84
Inauguración: sábado 7 de noviembre de 2 a 5:30 p.m.
Horario: abierta al público hasta el 12 de noviembre, entre las 10 a.m. y las 5p.m.

En el mismo lugar donde se fundieron rieles y piezas para el extinto Ferrocarril de Antioquia, bajo el mismo techo sostenido donde funcionó desde 1939 Talleres Robledo, la ciudad tendrá a partir de este miércoles 4 de noviembre un espacio renovado para recibir las diversas manifestaciones del arte contemporáneo.

Después de un año de restaurar un vestigio de memoria de la actividad fabril de la primera mitad del siglo pasado y una inversión de 5.407 millones de pesos aportados por el sector privado y el municipio, hoy el Museo de Arte Moderno de Medellín (Mamm) cuenta con una nueva sede de 2.900 metros cuadrados en su primera etapa.

Este concepto replica, por ejemplo, al Tate Modern en Londres que se levanta sobre una antigua planta eléctrica, o al P.S.1 Contemporary Art Center, de Nueva York, fundado en un emblemático edificio de oficinas.  La idea es restaurar espacios históricos de las ciudades para abrir exposiciones de gran formato que cada vez toman más fuerza en el circuito internacional del arte.

Las nuevas instalaciones del Mamm cuentan con una nave central, dos salas de exposiciones laterales, y dos más pequeñas destinadas a proyectos especiales y obras de pequeño formato. "En la nave central se podrán ubicar esculturas gigantes, hasta de 13 metros de altura. Las condiciones museográficas de las tres salas (temperatura, humedad, iluminación), se rigen por los estándares internacionales, lo que permitirá estar inscritos en los circuitos extranjeros de exposiciones", explicó la directora del Mamm, Juliana Restrepo.

A la construcción antigua se añadieron dos locales, uno para la Tienda de Objetos del Mamm y otro para el restaurante Bonuar de cocina creole (criolla). Desde ya se encuentran expuestas algunas de las 233 obras donadas por la fallecida artista Débora Arango, que hacen parte de las 5 mil piezas de arte que son patrimonio del Mamm, museo que abrió hace 30 años con apenas 11 obras. La nueva sede fue entregada en comodato por el Municipio, pues la antigua edificación es uno de los equipamientos públicos de Ciudad del Rio, un complejo residencial, comercial y de industria liviana que se construye en lo que fuera un amplio sector  industrial de la ciudad, a través de un plan parcial.

"Después de tantos años de esfuerzo del sector privado el Mamm se merecía un  empujón del Municipio en esta zona de renovación urbana. Hasta ahora se han invertido mil millones de pesos y otros cinco mil están destinados para la segunda etapa", comentó el alcalde Alonso Salazar, quien destaca que se preserve este espacio en una ciudad "acostumbrada a demoler la historia arquitectónica". Pero las obras continúan y para el 2011 se espera concluir otro edificio anexo al Mamm de 3.500 metros cuadrados que tendrá una inversión de 16.500 millones de pesos.

En tanto, la inauguración se celebrará durante todo un mes y comprende desde una exposición experimental del artista bumangués Máximo Flórez, pasando por conciertos, cine, subastas, conferencias y cerrará con una exposición de la artista belga Jan Fabre. "La apuesta ahora es que el Mamm siga siendo un museo para todos y que las nuevas generaciones se tomen este espacio, lo apoyen", agregó Jorge Velásquez, uno de los fundadores y primer director del Mamm.

¿Qué pasará con la antigua sede?

Ante la imposibilidad de que el Mamm sostenga dos sedes al tiempo, la directora del museo en principio anunció que la sede tradicional del barrio Carlos E. Restrepo sería para labores administrativas y eventuales exposiciones.  Sin embargo, el malestar de una parte de la comunidad del sector por esta decisión y ante la posibilidad del cierre al público en el futuro de este Patrimonio cultural de la ciudad, el alcalde Alonso Salazar se comprometió a evaluar alternativas y echar cuentas para asegurar que la sede mantenga una programación cultural.

Al tiempo toma forma un proyecto conjunto entre el Mamm, la Alcaldía y la Fundación Otraparte para que la antigua sede se convierta en el Centro Cultural de Otrabanda y comience desde enero con una programación aportada con recursos propios por parte de las dos entidades culturales, mientras que la Alcaldía apoyaría con una inversión para gastos de funcionamiento y una programación.

"La idea sería de mano de la comunidad y proyecta que  funcione allí la Cinemateca Municipal, que no la hay, así como una librería del Fondo de Cultura Económica, además de galería y talleres", explicó Sergio Restrepo, director de la Fundación Atraparte y gestor del proyecto.

Luego de 30 años de labores el Museo de Arte Moderno de Medellín, que ha sido testigo y parte de la transformación que vive la ciudad, abre una nueva sede en el megaproyecto Ciudad del Río, ocupando un antiguo edificio en el que originalmente se adelantaron actividades industriales.

Bajo la premisa de "30 días de inauguración" se llevarán a cabo a partir del 4 de noviembre múltiples actividades que reflejan el carácter plural del Museo, rasgo fundamental que ha marcado su quehacer desde su fundación y que continuará rigiendo su dinámica futura.

Para comenzar la celebración, el 4 de noviembre se inaugurará la exposición experimental "1:1 venga-inter-venga" de Máximo Flórez, primer proyecto ganador de la Convocatoria Internacional Inter-venga. El artista bumangués trae una propuesta inteligente, que plantea una solución simple y recursiva para habitar el espacio del Museo transformándolo desde el vacío, que ofrece al público una amplia viabilidad de interacción con el espacio, conjugando la lúdica con una reflexión seria y rigurosa en torno a sus posibilidades.

La programación continúa, el 5 de noviembre con la conferencia " William Burroughs: Una locura bien temperada" a cargo del filósofo Juan Gonzalo Moreno

7 de noviembre se llevara a cabo la apertura de los espacios comerciales, en una tarde que incluirá una subasta de objetos únicos de arte y diseño de la Tienda de Objetos MAMM y una conferencia en el restaurante Bonuar con la historiadora Diana Uribe y la chef Sofía Gaviria, quienes hablarán del valor y la influencia de las negritudes en el arte y la gastronomía contemporánea.

Siguiendo la ruta de las exposiciones y la reflexión,  el 9 de noviembre  tendrá lugar la primera jornada de "Pasaporte al arte" en el que los ganadores de la convocatoria Inter-venga conversarán con los asitentes acerca de las particularidades de las intervenciones temporales artísticas.

Después de la charla, el 11 de noviembre, se inaugurará la exposición del segundo proyecto ganador de Inter-venga "2009 Acciones de E-COSECHA" del Grupo Qenep + Oficina Informal.

El 12 de noviembre continuan las charlas en el museo continuan con la conferencia "Virginia Woolf y los mundos paralelos" por el escritor Rodrigo Pérez.

Además de sabores y charlas, los asistentes podrán vibrar con la música el viernes 13 de noviembre con El Suiche, en una noche extendida hasta las 12:00 p.m.; y el 17 con la Orquesta Sinfónica de la Universidad EAFIT, que inundará con sus acordes la nave central. Fecha en la que además se contará con la obra de la artista María Teresa Cano "Yo servida a la mesa", quien en 1981 como estudiante de segundo semestre de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, sorprendió el medio del arte local de nuestra ciudad y se llevó el Primer Premio del Salón Arturo y Rebeca Rabinovich.

El cine ocupará también un espacio en la programación inaugural; Diego García nos presentará, el 20 de noviembre, su nuevo documental "Por qué llora si ya reí. Beatriz González. Monólogo a 3 voces" sobre la vida y obra de esta artista

La segunda jornada de Pasaporte al arte tendrá lugar el 23 noviembre y estará a cargo de Alberto Sierra. En esta ocación el tema de discusión girará entorno a la historia del MAMM  y su impacto en el arte local y nacional.

La arquitectura se sumará a la fiesta, el 24 de noviembre, con el lanzamiento del libro "Alfabetos, variaciones en la arquitectura de Giancarlo Mazzanti" de Mesa Editores.

Para finalizar esta jornada de celebración, el 27 de noviembre se abrirá la exposición del artista belga Jan Fabre, cuyas obras han sido expuestas en galerías y museos de todo el mundo, así como en la Documenta de Kassel y en las bienales de Venecia, Sao Paulo o Estambul. Además se inaugurará la Sala Didáctica con la intervención del artista bogotano Nicolás París.

La entrada a todos los eventos es libre aunque se recomienda que se reserven las entradas con anterioridad ya que, en algunos casos, los cupos son limitados.

Un cubo de aluminio pintado con imágenes de latas de cerveza nacionales y su base de un metro con 20 centímetros fueron robados de la carrera Séptima con calle 94, en el norte de Bogotá, donde estaban exhibidos. Aunque la desaparición tuvo lugar hace un mes, solo se hizo pública este martes con el objeto de que la ciudadanía aporte pistas en la búsqueda de la pieza.

Titulada 'Cubo hecho con latas de cerveza', la obra fue elaborada por el artista plástico Santiago Montoya para participar en la muestra y posterior subasta de la cuarta temporada de arte de la Fundación Corazón Verde, que ayuda a las viudas y huérfanos de miembros de la Policía Nacional.

El artista, que por estos días estrena una nueva serie titulada La gran estafa, debió cancelar compromisos que tenía en Miami para dedicarse a rehacer la obra para la subasta de la fundación que la casa Christie¿s de Nueva York realizará el 26 de noviembre, en el Club Los Lagartos de Bogotá.

"La realización de la obra me tomó un mes. Decidí hacer un cubo perfecto, revestido con fragmentos de latas pintadas con material de alta tolerancia y con recubrimiento en resina para carros. La elaboración contó con un pintor, un restaurador de carros y un asistente", agrega Montoya.

"Lamentablemente, a pesar de ser muy grande, era una de las obras más livianas del programa. Entre dos personas, perfectamente, podían cargarla", confirmó Manuela Castaño, coordinadora de arte de Corazón Verde.

No es la primera vez que una obra de Montoya desaparece, acuarelas y pinturas de su autoría también han desaparecido en robos a residencias.

"Es curioso porque mi último trabajo se llama La gran estafa y ahora siento que los estafados fuimos el proyecto de Corazón Verde y yo", puntualiza el artista.

"Nosotros no hemos perdido las esperanzas de encontrar la obra, pero pensamos lo vergonzoso que resulta que una iniciativa como esta, que mezcla lo social con lo cultural, y que busca integrar a la gente con el arte, tenga una respuesta así", agrega Castaño.